9º 2do trimestre.
GUÍA 2
La ilusión del espacio
Durante muchos siglos, los artistas intentaron plasmar los espacios de manera que se diera la ilusión de profundidad. Dado que una pintura y un dibujo solo tienen dos dimensiones (bidimensional = largo y ancho), realmente constituía un reto producir la ilusión que el espectador estaba frente a un espacio que aparentaba tener las tres dimensiones. Las representaciones están determinadas por diferentes aspectos, entre otros: el cultural (donde se desarrolla), el físico(el lugar donde se plasma), el técnico (herramientas y materiales que utiliza) y el temporal(el tiempo que se demora en la realización). Mientras que, en algunas culturas orientales como la japonesa, es frecuente en-contrar representaciones de paisaje verticales, en occidente, predominan los paisajes horizontales. ““Las olas” de Hokusai son garras, las embarcaciones están atrapadas en ellas, puedes sentirlo”, le escribe Vincent Van Gogh a su hermano, el 8 de septiembre de 1888. Responde a Theo, que debió de quedar impactado con “La gran ola” de Kanagawa, la estampa que el pintor japonés publicó cinco décadas antes de este escrito. Vincent estaba en Arlés (Francia), pero ya conocía la imagen. Al pintor neerlandés(Zundert - Países Bajos) le impresionaba la “sencillez” de los maestros orientales. “El arte japonés es algo así como los primitivos, como los griegos, como nuestros antiguos holandeses, Rembrandt, Hals…”, le había advertido a Theo unos meses antes de agredirse. Al poco se retrató con la oreja vendada y unas estampas japonesas de fondo. El desdichado capítulo termina en el sanatorio mental de Saint-Rémy-de-Provence, donde Vincent ingresó de manera voluntaria y en el que experimentó una calma pasajera que le permitió concentrarse en el paisaje que rodea el hospital. Aunque define el sanatorio como “casa de fieras”, dice que el “cambio de ambiente” le ha venido “bien”. Y tanto: en una semana, en junio de 1889, pinta cinco paisajes de la Provenza esenciales en su catálogo. Dos de ellos se conservan en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York: “Olivos con Les Alpilles al fondo” y “La noche estrellada”, el paisaje más famoso de la pintura moderna, y en el que el historiador británico Martin Bailey ve una relación evidente con “La gran ola” de Hokusai en el movimiento arremolinado del cielo, que se precipita sobre las colinas. Vincent explica que la fuerza emocional del color de Hokusai reside en su incorrección y dice compartir con el artista japonés ese recurso, aunque Van Gogh sea mucho más recargado y complicado en su técnica y en su visión de la naturaleza. La armonía de los azules, verdes y blancos –con destellos amarillos– se fragua en la pelea entre ellos. Un año antes de su muerte, Van Gogh se reconocía en plena actividad, como un ser absorto en su trabajo y amante de la naturaleza “de campo”.
"La gran ola de la costa Kanagawa”, Katsushika Hokusai, 1831.
“Noche estrellada”, Vincent Van Gogh, 1889.
Hay tres tipos de paisajes: 1. El «cósmico» o «sublime», es más salvaje, inmensos paisajes que a veces no existen y en los que el hombre se siente perdido. Como el «paisaje naturalista» es grandioso, abundante y salvaje, con
fenómenos atmosféricos como las tormentas. Artistas del norte de Europa, de
Alemania, Durero, Elsheimer o Friedrich lo representan.
David Friedrich. “El caminante sobre el mar de nubes”. 1817-1818
2. El «Dominado» por el hombre, del paisaje flamenco o neerlandés, parece amenazado, es un «paisaje topográfico», un lugar preciso, identificable y humilde. Pieter Brueghel el Viejo o los maestros holandeses del siglo XVII son algunos ejemplos. «Colonizado» por
el hombre, típico del paisaje italiano, con campos cultivados, relieves de colinas, valles y llanuras llenas de casas, canales, carreteras u otras construcciones humanas; no es una amenaza, el hombre la ha hecho suya. En un espacio urbano se aprecian carreteras, caminos y puentes, así mismo, se ve la arquitectura de ciudades y pueblos: edificios, iglesias, monumentos, parques.
Pieter Brueghel el Viejo, “Los cazadores en la nieve”, 1565.
3. El «Clásico» es ideal, grandioso, increíble, recompuesto y perfecto. Donde suele esconderse una historia. Es tópica la presencia de la arquitectura romana, combinada con una montaña, una colina o un plano de agua. Este tipo de «paisaje ideal» fue creado por Annibale Carracci, al que siguieron Domenichino y el francés Poussin.
Nicolas Poussin. 'La Primavera' o 'Adán y Eva en el Paraíso terrenal', 1660-1664.
El paisaje italiano fue el modelo académico siendo Italia el país al que acudían los artistas de toda Europa para formarse. Según el tema que se representa están: Marinos en composiciones que muestran océanos, mares o playas. Fluviales de
composiciones con ríos o riachuelos. Naturales que representan parajes de ambientes como bosques, selvas, desiertos, arboledas y otros estados del territorio sin el ser humano. Costumbristas que simbolizan costumbres y tradiciones de lugares por ejemplo los paisajes típicos de pueblos colombianos que se representan en la pintura popular. Estelares o nublados con nubes, formaciones del clima y condiciones atmosféricas. Lunares muestran paisajes de la visión de la luna en la tierra. Urbanos con ciudades. Hard scape o Duros con calles, negocios o industrias. Aéreo o etéreo, mostrando la superficie terrestre desde aeroplanos o naves espaciales. Cuando el punto de vista es muy pronunciado hacia abajo, no se aprecia el cielo. El género del paisaje puede combinarse con otros, como el arte Etéreo Nublado de Georgia O'Keeffe, el Etéreo
Lunar de Nancy Graves o el Etéreo Urbano de Yvone Jacquette. El Onírico
(Surrealistas o Abstractos), en composiciones que expresan la visión psicoanalítica de la mente espacio tridimensional. Los Impresionistas realizaron la pintura al aire libre o “pinture a plein air”, fue posible hace más de cien años cuando un fabricante de pinturas descubrió la manera de empacar los colores en tubos metálicos. Claude Monet adaptó un bote en taller para para estar cerca de su objeto de estudio, que eran el agua y los paisajes acuáticos hacerlo. Aspectos como ¿dónde? o ¿con qué? se pinta son importantes porque afianzan las ideas y necesidades expresivas de los artistas. Los artistas callejeros (street art), no necesitan un taller porque trabajan en el espacio público.
Beatriz González.
La pintora, confiesa tener una visión prejuiciada de la historia del arte. A toda hora, en todas partes, asocia experiencias visuales con cuadros famosos. A partir de un objeto cualquiera, a partir de la textura de una madera o de la forma de un mueble, surge la asociación estética. Así, por ejemplo, de unos toalleros en forma de concha surgió la imagen de la obra de Botricelli El nacimiento de Venus; de una lámina de madeflex estriado, un bodegón de Braque; de un peinador con espejo circular un tondo de Rafael. Otras veces, el procedimiento es a la inversa: a partir de un cuadro surge la idea del objeto donde debería estar su composición.
Así surgieron los telones inspirados en Edouard Manet (“Telón de la móvil y cambiante naturaleza"), Claude Monet y Paul Gauguin. Como la artista trabaja sobre superficies de diversos materiales y texturas (láminas de metal, maderas varias, toallas, hules, cubrelechos, etc.) debe inventar constantemente nuevas facturas. Con óleos, esmaltes o acrílicos, Beatriz González no sólo domina cada una de las técnicas, sino que trabaja con una gama muy variada de colores. Desde sus óleos sobre lienzo de comienzos de su carrera, hasta los telones pintados en acrílico y el Guernica (1981), realizado en esmalte sintético sobre
tablex, pasando por sus numerosos esmaltes sobre lata (muchos instalados en muebles como "marcos"), Beatriz González se ha dado el lujo de dominar los medios y procedimientos y, sobre todo, de transvasar con talento las pinturas en que se inspira.
Es una mujer, colombiana y de provincia, factores que determinaron en algún momento su carrera. A Beatriz González le gusta molestar y, además no tiene modales. Eso dicen ella y Alberto Sierra, uno de los curadores de «La tragedia y la comedia», su retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Medellín. Hace años, Beatriz se cansó de que en la prensa la catalogarán como una señora elegante y fina que pintaba. Se desilusionó de sí misma y semejante crisis de identidad la llevó a revelarse, a dejar la elegancia, la finura y quedarse sin modales. Eso, según Sierra, es lo que dicen de la gente de provincia: que va diciendo las cosas como le van saliendo. Pero para él se llama honestidad y de eso está cargada su pintura. “Ser colombiana jamás va a ser una desventaja”, dice con la seguridad de que haber nacido en un país donde no pasa nada, seguramente la habría llevado a pintar naturalezas muertas ad infinitum. Aunque muerte si ha pintado y desde siempre. Primero como personaje, en los “Amantes del Sisga”, esos suicidas, cómplices y, quizás valientes (o cobardes dirán otros) que decidieron arrojarse a la represa porque no podían vivir en un mundo lleno de banalidades, lujuria y pretensiones. El manejo de los elementos formales (planos, colores, composiciones) es ahora más complejo y descarnado y la intención de decir, a través de aquellos elementos, cuán caótica y dramática es la situación, es más escueta y ladina. La artista no hace concesiones a nada, su tono se ha vuelto severo. Esto no significa que sus cuadros hayan perdido la calidad artística que los ha caracterizado: muy lejos de cualquier noción de belleza, sus representaciones siguen atrayendo por las convincentes relaciones de las formas y de éstas con sus contenidos. Como acertadamente lo ha señalado Luis Caballero, el color de sus cuadros sigue siendo refinado, aun en las armonías más absurdas, y la línea de sus dibujos siguen siendo acertada dentro de las torpezas más sofisticadas. Con ocasión del Quinto Centenario del descubrimiento de América en 1992, Beatriz González realizó una serie de serigrafías con el tema de un indígena en una barca. Aparte de sus pinturas y dibujos, González tiene una extensa producción de grabados.
"El Altar”, Beatriz González ,1990
ACTIVIDADES
Los trabajos deben realizarse en hojas de plancha Din A4 o Bond 28 (usar cartulina o hojas en blanco rotulado y marcado con el nombre del estudiante y el curso), estar entintados los contornos de las formas con micropunta negro, borradas las líneas guías del boceto hechas en lápiz y coloreados. Se deben tomar las fotos de los trabajos (debe verse en la foto el nombre y curso del estudiante, revisar que este bien definida) y enviarlos en un archivo con su nombre (si tiene las herramientas tecnológicas) y curso. en este mismo archivo
irán también las respuestas a las preguntas de los puntos de ética.
1. Teniendo en cuenta la importancia que tiene la naturaleza como espacio donde se desenvuelve el ser humano en su evolución. Realice en una hoja plancha una composición donde muestre desde su punto de vista qué lugar ocupa hoy el espacio natural en su día a día. Escoja 1 de las formas en que es tratado el paisaje como temas vistos en la guía y explique ¿por qué escogió ese tema compositivo? y ¿qué clase de paisaje realizó la composición?
2. Según la obra de Beatriz González ¿Cuál de los temas paisajísticos usó en su obra “Telón de la móvil y cambiante naturaleza" y ¿qué tipo de paisaje es? Explique su respuesta. Realice en una hoja plancha un paisaje inspirado en el tratamiento de esta obra donde la artista se apropia de la obra de Édouard Manet
“Almuerzo sobre la hierba” de 1863. ¿Dónde y cómo haría usted ese almuerzo sobre la hierba? Busque lugares donde alguna vez haya comido en un entorno natural e inspírese en el para realizar su composición paisajística.
3. Teniendo en cuenta que en la obra “El Altar” de Beatriz González hace una mirada a la violencia que se vivía en Colombia, y partiendo de imágenes de
fotografías vistas en la reportería gráfica de los periódicos, donde recortaba las siluetas de las formas y figuras y las rellenaba con colores puros, usando una paleta de colores tierras. Realice una composición en una hoja de plancha utilizando la técnica que realizó en dicha obra. Buscar imágenes de noticias que en el último año le hayan impactado, y capturar el fotograma del video con la
imagen(es) que quiere trabajar. ¿Dónde está representado el papel de la naturaleza en la imagen?4. Teniendo en cuenta la gran influencia que tuvieron
la reproducciones Xilográficas japonesas en Vincent Van Gogh, busque en internet imágenes paisajísticas de un personaje de programa de televisión que fuera
importante en su niñez y realice en una hoja plancha una reproducción de ese encuadre. De le un tratamiento con su mirada personal. ¿Cuál es el movimiento que tienen los elemento que componen ese encuadre? ¿En qué dirección van? ¿qué colores utilizará para resaltar el mensaje principal de la escena? ¿Dónde
están los límites de las formas que tiene cada objeto? ¿Cuál es su valor tonal local de color de cada área a representar?
5. Realice en una hoja de plancha una historieta de los aspectos más importantes de la guía, y explique ¿Qué le aportó a su formación en artística?
Se puede usar elemento que estén al alcance de su bolsillo o reutilizar elementos que ya no se usan, cartón (cajas de empaques), temperas o vinilos, pínceles, colores, papeles de color (pedazos o secciones de revistas o periódicos con publicidad con colores, papeles de regalo, telas, etc.) tijeras y colbón. Este punto debe ser apoyado por los adultos para usar elementos corto-pulsantes como tijeras o bisturís. No usar pegamentos, elementos o materiales tóxicos.
Secundaria Activa 9º PDF, Ministerio de Educación, 2012.
https://elpais.com/cultura/2017/07/14/actualidad/1499985119_627666.html
Representar el volumen
Mira con detalle la forma de las cosas que hay a tu alrededor. ¿Cuáles son planas? ¿Cuáles tienen volumen? Observa cómo la luz y la sombra afectan a seres y cosas. Fíjate en las imágenes e identifica en ellas las diferentes zonas de luz. Detalla los trazos hechos con lápiz de grafito. Cuando miras un objeto, puedes darte cuenta de que ocupa un lugar en el espacio, a esto se le denomina volumen. Para poder representarlo en una pintura se utilizan la luz, la sombra y la perspectiva, porque si solo dibujas su contorno se verá́ plano. Todos los objetos tienen volumen y forma, y estos los podemos representar en un dibujo, gracias a un juego de luces y sombras, los que en la realidad son causados por la luz que se proyecta sobre ellos. Algunas técnicas para representar el volumen a lo largo de la historia, ha sido un tema que ha interesado a las personas, a tal punto que se inventaron los trampantojos como una manera de “engañara al ojo”. Los pintores buscaban representar los objetos y su volumen de una manera tan exacta que se creyera que se estaba ante el objeto o el sujeto representado y no ante una pintura. Hoy en día, la representación del volumen sigue siendo un reto, de manera que se emplean múltiples técnicas, como la fotografía, el dibujo y la pintura, para lograr dar una idea lo más exacta posible. Los lápices de grafito, que seguramente has empleado para escribir, dibujar, trazar contornos y hacer sombras, fueron inventados hace unos 300 años. Antes de su invención, las personas dibujaban empleando diferentes instrumentos como puntas de plata y de metal afiladas, con los cuales raspaban la hoja para dejar el rastro del metal sobre ella. Es partes de la evolución de los instrumentos de dibujo. ¿Cómo te sientes dibujando con lápices de grafito? Explica cuáles prefieres para dibujar. Tal vez, te sientas más cómodo dibujando con lápices blandos que te permiten realizar
líneas más gruesas y expresivas; o quizás prefieres trabajar con lápices de mina
más consistente y dura que te permiten hacer líneas más precisas. Observa de cerca el dibujo que el muchacho muestra tan orgulloso. Piensa cómo fue hecho.
Esta pintura fue realizada hace más de quinientos años. ¿Qué cosas crees que no han cambiado desde esa época? Es muy posible que este dibujo fuera hecho con una punta de plata, uno de los instrumentos de dibujo de la época. También se usaban las plumas de aves como el ganso, pero se trabajaba con tinta y el trazo era mucho más oscuro. Definitivamente el dibujo hecho por el niño es plano, pero el niño pintado por Caroto tiene diferentes volúmenes. Para producir esta ilusión, el artista empleó la técnica del sfumato o difuminado, inventada por Leonardo da Vinci. También acentuó́ las luces en zonas como la nariz, las mejillas, la frente y el hombro. El volumen y la luz durante el Renacimiento (siglos XV y XVI aproximadamente), se experimentó́ con técnicas como el sfumato, sin embargo, unos cien años después, los artistas se mostraron interesados en tener un efecto más contrastado y, durante el Barroco, se inventó́ el claroscuro, por medio del cual los artistas pretendían establecer fuertes golpes de luz que contribuyeran a dar una idea de volumen contundente.
Parte del éxito del claroscuro fue el uso de la pintura al óleo que contribuía
a enfatizar el juego de la luz, debido a que es un material que se mezcla con
aceite y da una apariencia brillante. La pintura al óleo fue inventada en los
Países Bajos. Posteriormente fue perfeccionada por los hermanos Van Eyck.
Ellos y los pintores de ese país intentaron mantener esta forma de pintar en
secreto. Sin embargo, como muchos secretos, el del óleo salió́ a la luz y
rápidamente se extendió́ por el mundo. Para pintar al óleo se requieren
pigmento, secante y retardante del secado. Como secante suele usarse la
trementina y como retardante el aceite de linaza. Si quieres experimentar la pintura al óleo ten en cuenta: Haz el boceto inicial realizando trazos muy suaves.
Para crear la ilusión de distancia en tus pinturas, pinta los colores más lejanos con colores menos intensos y tonos fríos y los objetos más cercanos con colores más
cálidos y más intensos. Se debe tener en cuenta que las luces y las sombras se
diferencian por su tono cálido o frio, si las luces son cálidas, entonces las sombras son frías y viceversa. Cuando tu pintura esté terminada, espera unas dos semanasy retorna a ella para volver aplicar luces, ya que en la pintura al óleo las luces
necesitan más capas que el resto de los colores.
El Renacimiento (s. XV y XVI).
Leonardo Da Vinci creó la técnica del sfumato, cien años después (s. XVII y XVIII) en el Barroco los pintores flamencos e italianos inventaron el claroscuro con un efecto más contrastado, con fuertes golpes de luz logran un volumen más contundente. Parte del éxito del claroscuro fue el uso de la pintura al óleo que contribuía a enfatizar el juego de la luz, debido a que es un material que se mezcla con aceite y da una apariencia brillante. Esta técnica fue inventada en los Países Bajos y perfeccionada por los hermanos Van Eyck, que intentaron mantenerla en secreto. El óleo salió a la luz y rápidamente se extendió por el mundo y se volvió común después del Barroco. La primera pintora barroca italiana mujer reconocida como pintora en la historia del arte occidental es la italiana Artemisia Gentileschi. Fue una representante del caravaggismo (evolución del claroscuro al tenebrismo). Aprendió a pintar en el taller de su padre, Orazio
Gentileschi, gran exponente de la escuela romana de Caravaggio de forma
autodidacta o autónoma la técnica del claroscuro para desarrollar su obra, ya que no pudo asistir a la academia de arte, porque en esa época no estaba permitido el acceso a la academia de mujeres. y de esa forma desarrolló su obra. Realizó temas históricos y religiosos. Fueron célebres sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judith o Cleopatra, en los que se han leído rasgos feministas. En 1610 firmó a los diecisiete años su primera obra “Susana y los viejos”, (atribuida a su padre) de una fuerte influencia de la escuela de Bolonia, que tuvo a Annibale Carracci entre sus mejores artistas.
“Judit decapitando a Holofernes”, Artemisia Gentileschi, 1614-20.
A diferencia del enfoque de otros autores, la mitológica Susana de Artemisia rehúye, avergonzada, la atención de los viejos. A los diecinueve años su padre le dio un preceptor privado, Agostino Tassi con él que estaba trabajando en aquel tiempo Orazio, en la decoración de las bóvedas de Casino della Rose dentro del Palacio Pallavicini Rospigliosi en Roma. En mayo de 1611, Tassi la violó. Al principio, prometió salvar su reputación casándose con ella,8 pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció en marzo de 1612 ante el Tribunale Criminale del Governatore di Roma. La instrucción, que duró siete meses, permitió descubrir que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometió incesto con su cuñada y quiso robar ciertas pinturas de Orazio
Gentileschi. Del proceso que siguió se conserva documentación exhaustiva. Durante todo el juicio, Artemisia sostuvo su testimonio de violación, incluso tras la tortura a la que fue sometida: un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a sus dedos. Además, tuvo que someterse a un examen ginecológico para demostrar que había sido desflorada. Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Las actas del proceso han influido grandemente en la lectura en clave feminista, dada en la segunda mitad del siglo xx, a la figura de Artemisia Gentileschi.
ACTIVIDADES
Teniendo en cuenta lo anterior realizar los siguientes puntos:
1. Realizar en una hoja de plancha con micropunta negro, un esfero negro o un
color negro un bodegón con tramas o líneas superpuestas para generar las sombras y tonos medios de luminosidad de la luz en los volúmenes de las formas. Usar objetos como vasos, botellas y futas de diferentes texturas. ¿Qué tipo de línea o trama debo utilizar para representar las características de las texturas de cada objeto?
2. Realizar en una hoja de plancha una imagen del interior de la casa describiendo los diferentes objetos decorativos que hay y sus propiedades físicas
y volumétricas a través z de medios tonos monocromáticos o escalas de grises con un lápiz.
3. Realizar en una hoja de plancha un perfil de un rostro usando una linterna que proyecte la sombra sobre el papel para delinear el contorno de la sombra y así
luego acabar el retrato poniendo los detalles de los ojos, cejas, nariz, orejas y pelo. Usar carboncillo, lápiz, o micropunta negra.
4. Dibujar en una hoja de plancha una historia a través de la escena principal de la misma donde el tema sea la mujer. La técnica a desarrollar será el claro oscuro que usa tonos grises y colorea los valores de los tonos locales de cada objeto.
5. Dibujar en una hoja de pancha un bodegón con flores utilizando colores.
Utilizando el color complementario de cada tono local para hacer sus sombras en vez del negro. Si la manzana es roja las sombras se harán colocando verde y luego coloreando con rojo encima
GUÍA 4
La estructura
Está formada por líneas guía que divide la simetría y las proporciones, teniendo en cuenta los músculos y los huesos que se encuentran debajo de la piel, tanto para dibujar el cuerpo correctamente, como para entender el movimiento. Se usa el modelo "palotes" que consiste en trazar un círculo para la cabeza, y líneas rectas esquemáticas que representen las distintas zonas articuladas del cuerpo (brazos, antebrazos, piernas, muslos, cuello). Encajonamiento es cuando se duplican las
líneas palotes con líneas paralelas a las mismas para dar volumen a las partes para complementar el modelo con esferas que ubica ejes de movimiento de las articulaciones como hombros, codos, muñecas, rodillas, tobillos y glúteos. Poner
especial interés en los hombros, la cintura y la cadera que se representan con círculos pequeños. El eje de gravedad es una línea guía imaginaria vertical que va desde la garganta del personaje hasta la línea horizontal del suelo a escuadra (90º); en esta línea ha de estar situado el tobillo del pie que aguanta el peso y así la figura no se caerá o se ira de lado cuando la figura está de pie y se apoya en una pierna generando movimiento de compensación y movimiento en los ejes de la cadera-rodillas y los hombros-codos-manos en sentidos contrarios de inclinación.
La proporción. Es la relación de tamaño o cantidad que existe entre las partes de algo dentro de un todo o entre los elementos de un conjunto. Cuando esta relación es equilibrada se dice que algo está proporcionado y
desproporcionado cuando el tamaño o cantidad de alguno de los elementos descompensa el equilibrio del conjunto. La proporción es uno de los principios de diseño con los que se organiza una obra de arte entendida como un todo compuesto de partes relacionadas entre sí. Esta relación entre las partes puede ser armoniosa o desequilibrada. Cuando la obra está proporcionada, es decir existe una relación equilibrada entre sus partes, se está buscando la armonía matemática u óptica del conjunto, una belleza platónica basada en la armonía
característica del arte clásico. Mientras que cuando se fuerza la desproporción de uno o varios elementos, este desequilibrio es un recurso expresivo. Las
proporciones del cuerpo humano son una serie de normas y convenciones que se han utilizado en el arte a través de los siglos, para representar a la figura humana. Para ello, se han utilizado principalmente dos convenciones: a) El estudio anatómico del cuerpo, que estudiaban rigurosamente al modelo para
hacerlo real. b) Los cánones de belleza de la época, que idealizaban al modelo para hacerlo bello. Proporciones utiliza ocho cabezas de altura. Intentan que el cuerpo no tenga una musculatura excesiva, sino que sea real. Estas proporciones armónicas se siguen tomando en la actualidad como las más exactas. Dependiendo de la edad, cambiarán las proporciones y la forma del cuerpo, siendo estos cambios mucho más destacados durante los primeros años. Movimiento
dinámico. Figuras en movimiento en el dibujo se le aplica la mayoría de las veces a la figura en movimiento, ya que prácticamente siempre la figura será en lo que se centren nuestras historias. Existen, como es evidente, figuras estáticas y
figuras dinámicas. Las figuras dinámicas son aquellas que expresan movimiento de alguna manera.
Composición. Cuando un espectador observa una obra, aunque no lo perciba conscientemente, recibe estímulos visuales, pudiendo percibir si existe un equilibrio, un ritmo, perspectiva, planos de profundidad, etc. Si se tiene conocimiento de las reglas de composición plástica se logrará dirigir la mirada del espectador en la dirección, orden y velocidad que desee. Algunos principios que rigen la composición artística: a) Centro de interés. b) La línea de fuerza: A partir del centro de interés surgen las líneas de fuerzas, utilizadas también para conseguir equilibrio c) Dirección: Para dirigir la mirada del espectador se utilizan las siguientes direcciones: c1) Vertical-horizontal. c2) Diagonal. Pueden ser en dirección ascendente o descendente. c3) Curva. d) Movimiento. e) El peso.
f) Teoría del color. f1) Intensidad: f2) Saturación. g) Perspectiva.
Ilustración 5
Eje de equilibrio
ACTIVIDADES
Realizar en una hoja de plancha cada uno de los siguientes puntos
1. Teniendo en cuenta las medidas de las proporciones la ilustración1.
2. Teniendo en cuenta las medidas de las proporciones de la estructura del cuerpo humano que es el esqueleto ilustración 2.
3. Teniendo en cuenta las medidas de las proporciones la ilustración3.
4. Teniendo en cuenta las medidas de las proporciones y el texto de movimiento dinámico la ilustración 4.
5. Teniendo en cuenta las medidas de las proporciones, el texto de movimiento dinámico y la composición la ilustración 5. Aplicar también las leyes de las perspectivas vistas en 8º.
