10º 2do trimestre.
GUÍA 2
El expresionismo alemán.
Se formó con el fauvismo francés a principios del siglo XX siendo los primeros de los movimientos de las «vanguardias históricas». Buscó la interacción con el espectador, provocando que se involucrará en la percepción y comprensión de la obra del artista, así como en su difusión y mercantilización, factor que llevará a un mayor auge de las galerías de arte y de los museos. del arte con la vida, con la sociedad, haciendo de la obra una expresión del inconsciente.
Íntimamente ligado al concepto de modernidad, caracterizado por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión; sustituidos por la razón, la ciencia, el objetivismo, el individualismo, la confianza y la tecnología. El término “expressionisme”, sinónimo del arte moderno, se usó para designar una serie de cuadros presentados en el Salón de los Independientes de París en 1901, que pretendían reflejar su mundo interior, una “expresión” de sus propios sentimientos con el uso de la línea de un modo temperamental, el color con un fuerte contenido simbólico y emotivo, en contraposición al impresionismo que plasmaba en los lienzos una “impresión” del mundo circundante, un simple reflejo de los sentidos.
Fue un grupo heterogéneo, diverso y con diferentes niveles intelectuales: modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). Tuvo dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Surgió como la deformación de la realidad dándole primacía a la expresión de los sentimientos de forma más subjetiva, que a la descripción objetiva de la realidad.
“La crucifixión”, Matthias Grünewald, 1512-1516.
“Saturno devorando a un hijo”, Francisco de Goya, 1819-1823.
Se ha calificado de expresionista la obra de Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. como cualidad de su estética, se escriben «expresionismo» –en minúsculas– como término genérico; mas no como parte del movimiento histórico alemán que se «Expresionismo» –en mayúsculas. Con sus colores violentos, su temática de soledad, de miseria, reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939).
Esa amargura provocó un cambio de vida, de nuevas dimensiones, de la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. Con el profundo estudio dedicado al arte desde el romanticismo y las múltiples aportaciones al campo de la estética durante el siglo XIX por los filósofos, artistas y teóricos alemanes, como Wagner y Nietzsche, la estética cultural y la obra de autores como Konrad Fiedler “Para enjuiciar obras de arte visual” (1876), Theodor Lipps “Estética” (1903-1906) y Wilhelm Worringer “Abstracción y empatía” (1908). Esta corriente teórica dejó una profunda huella en los artistas alemanes de finales del siglo XIX y principios del XX, centrada sobre todo en la necesidad de expresarse del artista, la “innerer
Drang” o necesidad interior, principio que asumió posteriormente Kandinski, así como la constatación de una ruptura entre el artista y el mundo exterior, el ambiente que lo envuelve, hecho que lo convierte en un ser introvertido y alienado de la sociedad.
Defiende la libertad individual, la primacía de la expresión de la visión subjetiva, emocional, irracional, apasionada, prohibida, morbosa, demoníaca, sexual, fantástica, pervertida de la realidad. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior, a través del carácter expresivo de los medios plásticos con una significación metafísica que abre los sentidos al mundo interior. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló su genuina alma alemana, su temperamento "nórdico" del norte de Europa, su carácter existencialista, metafísico y su visión trágica del espíritu del ser humano en el mundo y la preocupación por su muerte. Reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que, en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado y aislado. Rechazó el positivismo, el progreso cientificista, la creencia en las posibilidades ilimitadas de la técnica, la ciencia, el régimen imperialista de Guillermo II y el militarismo pangermanista del káiser.
“El grito”, Edvard Munch, 1893.
“El jinete azul”, Vasily Kandinsky, 1903.
Los avances técnicos en el arte, la aparición de la fotografía y el cine; llevaron al artista a replantearse la función de su trabajo, que ya no consistía en imitar a la realidad sino en representar lo que significa la existencia, de traslucir en imágenes el sustrato que subyace bajo la realidad aparente, de reflejar lo inmutable y eterno del ser humano, la naturaleza transmutación de la realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y el informalismo de su estado anímico, propenso por lo general a la melancolía, a la evocación, a un decadentismo de corte neorromántico. Así, el arte era una experiencia catártica, donde se purificaban los desahogos espirituales, la angustia vital del artista. En cambio, se empezó generarse un nuevo clima de pesimismo, escepticismo, descontento, crítica y pérdida de valores.
Se vislumbraba una crisis en el desarrollo humano, que efectivamente se vio confirmada con el estallido de la Primera Guerra Mundial. Después de la Primera Guerra Mundial el expresionismo pasó en Alemania de la pintura al cine y el teatro, que utilizaban el estilo expresionista en sus decorados, pero de forma puramente estética, desprovista de su significado original, de la subjetividad y el desgarramiento propios de los pintores expresionistas, que se convirtieron paradójicamente en artistas malditos y apareció la Nueva Objetividad, que rechazó el individualismo, defendió el arte social, la distorsión formal y el colorido intenso.
El cine expresionista.
La expresividad emocional y la distorsión formal del expresionismo tuvieron una perfecta traducción al lenguaje cinematográfico, sobre todo gracias al aporte realizado por el teatro expresionista, cuyas innovaciones escénicas fueron adaptadas con gran éxito al cine. El cine expresionista alemán se caracterizó por el simbolismo de las formas, deliberadamente distorsionadas con el apoyo de los distintos elementos plásticos. Estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad, traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados, maquillajes, etc, y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o, cuando menos, inquietantes
Con temas de géneros como la fantasía y el terror, reflejo moral del angustioso desequilibrio social y político que agitó la República de Weimar en aquellos años. La influencia del romanticismo en el cine expresionista refleja una visión oscura del hombre, característica del alma “fáustica” alemana: muestra la naturaleza dual del hombre, su fascinación por el mal, la fatalidad de la vida sujeta a la fuerza del destino.
“El gabinete del doctor Caligari", Robert Wiene, 1919.
“Nosferatu, el vampiro”, Friedrich Wilhelm Murnau, 1922.
“Metrópolis”, Fritz Lang, 1927.
Etapas: El expresionismo puro o “caligarismo”, el neorromanticismo (Murnau), el realismo crítico (Pabst, Siodmak, Lupu Pick), el sincretismo de Lang y el naturalismo idealista del Kammerspielfilm. El traducir simbólicamente, mediante líneas, formas o volúmenes, la mentalidad de los personajes, su estado de ánimo, sus intenciones, de tal manera que la decoración aparezca como la traducción plástica de su drama. Este simbolismo suscitaba reacciones psíquicas más o menos conscientes que orientaban el espíritu del espectador.
El expresionismo puro “caligarismo” se nutrió de leyendas y antiguas narraciones de corte fantástico y misterioso, cuando no terrorífico y alucinante: El estudiante de Praga (Paul Wegener y Stellan Rye, 1913), sobre un joven que vende su imagen reflejada en los espejos, basada en el Peter Schlemihl de Chamisso; El Golem (Paul Wegener y Henrik Galeen, 1914), sobre un hombre de barro creado por un rabino judío; Homunculus (Otto Rippert, 1916), precursora en los contrastes en blanco y negro, los choques de luz y sombra. El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1919), sobre una serie de asesinatos cometidos por un sonámbulo, se convirtió en la obra maestra del cine expresionista, por la recreación de un ambiente opresivo y angustioso, con decorados de aspecto extrañamente anguloso y geométrico –paredes inclinadas, ventanas en forma de flecha, puertas cuneiformes, chimeneas oblicuas–, iluminación de efectos dramáticos –inspirada en el teatro de Max Reinhardt–, y maquillaje y vestuario que enfatizan el aire misterioso que envuelve toda la película. Fue más el final de un proceso que el inicio de un cine expresionista, pues su carácter experimental era difícilmente asimilable por una industria que buscaba productos más comerciales. Las producciones posteriores continuaron en mayor o menor medida la base argumental de Caligari, con historias generalmente basadas en conflictos familiares y una narración efectuada con flashbacks, y un montaje oblicuo y anacrónico, especulativo, haciendo que el espectador interprete la historia; en cambio, perdieron el espíritu artístico de Caligari, su revolucionaria escenografía, su expresividad visual, a favor de un mayor naturalismo y plasmación más objetiva de la realidad.
El neorromanticismo el de Lang, Murnau, Wegener, etc– que se inspiraba más en el romanticismo fantástico, dejando el expresionismo literario o pictórico. Estos autores buscaban una aplicación directa del expresionismo al film, dejando los decorados artificiales e inspirándose más en la naturaleza.
El naturalismo idealista del Kammerspielfilm, orientado hacia un estudio
naturalista y psicológico de la realidad cotidiana, con personajes normales, pero tomando del expresionismo la simbología de los objetos y la estilización dramática. Se basaba en un realismo poético, aplicando a una realidad imaginaria un simbolismo que permite alcanzar el sentido de esa realidad.
El sincretismo, su estética se basaba en un respeto, aunque no total, de las unidades de tiempo, lugar y acción, en una gran linealidad y simplicidad argumental, que hacía innecesaria la inserción de rótulos explicativos, y en la sobriedad interpretativa. La simplicidad dramática y el respeto a las unidades permitían crear unas atmósferas cerradas y opresivas, en las que se moverían los protagonistas.
En los años 1920 se produjeron los principales éxitos del cine expresionista alemán. Los principales cineastas expresionistas son:
Robert Wiene: “Las manos de Orlac”, (1924).
Paul Wegener: “El estudiante de Praga”, (1913).
Friedrich Wilhelm Murnau: “Nosferatu, el vampiro”, (1922), “Der Letzte Mann”, (1924), “Tartufo”, (1925) y “Fausto”, (1926).
Fritz Lang: “Las tres luces”, (1921), “Dr. Mabuse, der Spieler-Ein Bild der Zeit”, (1922), “Los Nibelungos”, (1923-1924), “Metrópolis”, (1927) y “M, el vampiro de Düsseldorf”, (1931).
Georg Wilhelm Pabst: “Bajo la máscara del placer”, (1925), “El amor de Jeanne Ne", (1927) y “La caja de Pandora”, (1929).
Paul Leni: “El hombre de las figuras de cera”, (1924).
Josef von Sternberg: “El ángel azul”, (1930). Ernst Lubitsch: “Ana Bolena”, (1920).
Karl Grüne: “Die Strasse”, (1923). Lupu Pick: “Sylvester”, (1923).
Robert Siodmak: “Los asesinos”, (1927).
Arthur Robison: “Sombras”, (1923)
Ewald André Dupont: “Varieté “, (1925).
Desde 1927, coincidiendo con la introducción del cine sonoro, un cambio de dirección en la UFA comportó un nuevo rumbo para el cine alemán, lo que comportó el fin del cine expresionista, sin embargo, la estética expresionista se incorporó al cine moderno a través de la obra de directores como Carl Theodor Dreyer, John Ford, Carol Reed, Orson Welles o Andrzej Wajda.
ACTIVIDADES
Los trabajos deben realizarse en hojas de plancha Din A4 o Bond 28 (usar cartulina o hojas en blanco rotulado y marcado con el nombre del estudiante y el curso), estar entintados los contornos de las formas con micropunta negro, borradas las líneas guías del boceto hechas en lápiz y coloreados. Se deben tomar las fotos de los trabajos (debe verse en la foto el nombre y curso del estudiante, revisar que este bien definida) y enviarlos en un archivo con su nombre (si tiene las herramientas tecnológicas) y curso. en este mismo archivo irán también las respuestas a las preguntas de los puntos de ética.
1. Realizar el guion literario del proyecto final del año, con el libreto de los personajes que participan en cada toma de cada escena y la acción dramática de la misma. teniendo en cuenta las características que están en el video de la sección audiovisuales de la pestaña de Hobby club de la página de la asignatura.
2. Darle título a la producción audiovisual del proyecto final es muy importante pues desde ahí se puede vislumbrar de que producto se está hablando y que podemos esperar de él. A partir de este título. Realizar en una hoja de plancha el diseño de las letras que vamos a utilizar para la promoción y difusión publicitaria, teniendo en cuenta las recomendaciones tipográficas para darle cuerpo, color y estilo tipográfico.
3. Por lo general en cada proyecto audiovisual el título va acompañado de una oración, frase o eslogan que le da personalidad al producto final. Realizar un eslogan y escoger que estilo tipográfico usaría. Se suele recurrir a un estilo diferente al del título para dar dinamismo y tensión al cartel o imagen promocional. Por ejemplo, en las sagas de Indiana Jones “En búsqueda del templo perdido” o Stra Wars “El regreso del Jedi”, etc. Crear la oración o eslogan de su proyecto audiovisual del año y hacer el diseño del mismo teniendo en cuenta las características de estilo tipográfico que escogió.
4. En la industria del entretenimiento cultural audiovisual las productoras cinematográficas son las encargadas de la realización y distribución de las películas que son productos de servicio de entretenimiento. Por lo general usan una imagen distintiva que los representa e identifica entre el público consumidor o espectadores. Por ejemplo, están la Metro Goldwyn Meyer,
Universal Pictures, 20th Century Fox, Walt Disney Pictures, etc. Realizar el diseño corporativo de la Empresa que va a crear, diseñar, producir y distribuir el proyecto audiovisual.
5. Para la promoción de los trabajos o productos de entretenimiento audiovisual se suele diseñar una imagen promocional del mismo que se usará en todo el material publicitario que verán los consumidores y asistentes de salas de Cine. Realizar en una hoja de plancha una composición que tenga los elementos diseñados anteriormente para el afiche o poster promocional de su trabajo final del proyecto.
Composición fotográfica, narrativa visual y el guion técnico.
Las interacciones entre texto – imagen – objeto, haciendo de la creación un proyecto de comunicación y a la vez un proyecto de representación y significación que toma en cuenta aspectos de arte y diseño, técnicos, cognitivos, emocionales,
sociales; el espacio real y el espacio virtual. La colaboración texto – imagen es el eje de la constitución o composición de la narrativa visual, compleja y variada en su creación, planteamiento y recepción interpretativa.
Guion literario Es en el que se basa el guion técnico para realizar una película o una serie de televisión y se encarga de los diálogos y descripciones de las escenas y los diálogos de los personajes de forma dramática (acción del momento).
Guion Literario y Técnico se realiza a partir del guion literario, decidiendo los planos que se necesitan para cada escena de la historia, por lo general haciendo anotaciones sobre una impresión de este para luego pasarlo en limpio, a veces con las anotaciones en colores diferentes.
Guion técnico. Es una lista de los planos que se van a rodar para contar una historia en imágenes con unas especificaciones técnicas. Indican el tamaño, lo que sucede en él, el ángulo en que se registra o captura la imagen(grabación) y las partes de la escena que se va a rodar para facilitar el trabajo de todo el equipo de rodaje.
Tipos de planos según el encuadre:
1) Plano General. Son imágenes en las que se intenta capturar la mayor parte de la escena posible. Normalmente se suelen hacer con el máximo angular que nos permita el objetivo.
2) Plano Figura. En el plano figura el sujeto ocupa todo el encuadre de la foto, de la cabeza hasta los pies, también llamado “plano entero”. En estos planos se suele dejar menos “aire” por los laterales.
3) Plano Americano. El plano americano o plano tres cuartos es aquel en el que la escena se divide en 4 zonas y solo escogemos 3. En el plano americano
escogeríamos las zonas de la cabeza a la parte superior de la rodilla (nunca cortes una foto de una persona por las articulaciones, intenta separarte un poco de ellas si no quieres mutilar a tu modelo).
4) Plano Medio. En este tipo de plano aparece el sujeto de la cabeza a la cintura (recuerda no cortar la foto por articulaciones), más o menos por la zona del ombligo. Se utiliza mucho en fotografía de moda o en entrevistas con dos sujetos.
5) Plano Medio Corto. En el plano medio corto se corta la escena por el pecho aproximadamente hasta la cabeza. La zona que se vería es parecida a la de un busto, por eso también se le conoce como primer plano mayor o plano de busto.
6) Primer Plano. En este tipo de encuadre el plano se corta en los hombros y sigue hasta la cabeza. Es el más utilizado en fotografías donde queremos resaltar el maquillaje o el rostro.
7) Primerísimo Primer Plano. La cara del sujeto es lo más importante, el plano ocupa desde la barbilla o mentón aproximadamente hasta la mitad de la frente o un poco por encima de ella.
8) El Plano Detalle. Se encarga de mostrar una zona determinada de la escena,
no se centra en el sujeto completo, si no en un elemento que sujete, un complemento, un solo ojo, labios, etc. En este tipo de plano habrá que cuidar el encuadre y composición ya que serán los protagonistas de la imagen, además de
trabajar la capacidad de observación.
Según el tiempo:
9) Plano master es el que se rueda la escena completa, desde que comienza hasta cuando termina. Muchas veces es el introductorio de la historia el que se rueda primero para situar la acción en un plano abierto.
10) Planos Cortos son las tomas que se necesitan para llenar una escena según la luminosidad, la interpretación, etc.
Tipos de planos según el ángulo:
11) Plano Cenital o Zenital. El plano cenital se realiza desde encima del sujeto. Es un buen plano para componer con sombras o la colocación de los objetos de la escena. La escena se capta de forma perpendicular al suelo.
12) Plano Picado. Para hacer un plano picado debes situarte por encima del sujeto de forma oblicua a unos 45º aproximadamente, hasta menos de 90º en los que ya hablaríamos de plano cenital.
13) Plano Contrapicado. El plano contrapicado se realiza situándote justo enfrente del sujeto, a una altura por debajo de la de sus ojos. El objetivo debe estar orientado al techo de forma opuesta al plano picado. Con el contrapicado
podrás mostrar al sujeto más fuerte, magnificarlo, hacerlo más importante.
14) Plano Nadir. El plano Nadir es el plano opuesto al cenital. En él tendrás que situar el cámara justo debajo del sujeto, de forma perpendicular al suelo. Seguro que habrás visto escenas de películas o fotos en las que los protagonistas están sobre un cristal o saltan por encima de la cámara.
15) Plano Dorsal. También conocido como “plano semi subjetivo” nos introduce
dentro de la escena como espectadores. Para entenderlo mejor, es la visión del asesino en las películas de terror, cuando vemos a su víctima de espaldas y nos sentimos dentro de la habitación con los protagonistas.
16) Plano Escorzo. El plano escorzo es uno de los planos más utilizados en el cine para las conversaciones de dos personas. En la escena aparecería la persona que escucha de espaldas y la que habla de frente con el rostro a la vista, con la cámara colocada a unos 45º del sujeto. También se utiliza mucho en entrevistas de televisión con un ambiente más íntimo y cercano.
17) Plano Perfil. Poco hay que explicar de este plano lateral. Como su nombre indica la cámara estará colocada a un lado del sujeto, mostrando su perfil.
18) Plano Frontal. El plano frontal también es conocido por “plano neutro o normal”. La cámara se coloca paralela al suelo, justo delante del modelo y a la altura de sus ojos. Es el tipo de plano más utilizado.
19) Plano Holandés. Para conseguir un plano holandés coloca la cámara
inclinada hasta los 45º aproximadamente, con esto conseguirás una escena mucho más dinámica e inestable, perfecta para escenas de acción.
La escaleta.
Es un texto a medio camino entre la sinopsis argumental y la redacción definitiva de una novela, relato o guion. Consiste en un resumen de mayor extensión que la sinopsis en el que el argumento aparece ya con un cierto nivel de detalle y dividido en bloques de información que luego podremos convertir en los capítulos o escenas de la obra.
La principal ventaja de planificar de esta manera una narración es que nos permitirá pasar a la fase de escritura con garantías de que lo que escribamos no tendrá errores importantes de estructura, argumento o diseño de personajes que nos obliguen a una reescritura de toda la obra o de buena parte de ella o a desechar fragmentos ya escritos.
Por otro lado, la escaleta nos será de ayuda durante la redacción de la obra en el sentido de que al empezar cada capítulo o escena sabremos ya qué hemos de incluir en ese bloque de texto y qué incluirá el siguiente, y de esta manera la escritura resultará más sencilla. Por ejemplo, si estás trabajando una novela de detectives, en la escaleta puedes haber indicado qué pistas irá encontrando el protagonista y en qué punto encontrará cada una, de manera que al empezar a escribir un capítulo ya sabrás qué descubre ahí el personaje y qué no.
También nos permitirá maniobrar fácilmente de cara a lograr un ritmo adecuado y una buena progresión de la tensión dramática: por ejemplo, podemos usarla para comprobar cómo quedaría la narración suprimiendo o añadiendo escenas o cambiandolas de lugar. Así, si detectamos que una escena ralentizará el relato, podemos suprimirla o fusionarla con otra; si detectamos que una lo acelerará demasiado, extenderla y dividirla en dos; y si vemos que el clímax no está ubicado correctamente, adelantar o retrasar ese fragmento de la narración.
Podemos incluso hacerla servir para comprobar cómo quedaría contar los hechos en un orden distinto al cronológico: por ejemplo, podemos mover al inicio de la escaleta varios bloques de la mitad de la historia y observar qué efecto produciría narrar de esta manera (esto es, empezando la narración in medias res: aquí tienes un artículo sobre esta técnica).
Un ejemplo de cómo escribir una escaleta sería el siguiente. Si tenemos una sinopsis que empieza así: Esteban es un funcionario que vive en Terrassa, una población cercana a Barcelona. Un día, al salir del trabajo, es secuestrado por error por el Frente de Liberación de los Valles y Altos de Arán. Es llevado a un pueblo abandonado de los Pirineos y encerrado en el sótano de una vivienda en ruinas. Allí se le informa de lo siguiente: morirá en dos días si nadie paga su rescate: diez millones de euros en metálico.... entonces el texto correspondiente de la escaleta podría ser el siguiente:
1. Esteban está tomando café con sus compañeros en el depósito de la grúa municipal donde trabaja. Mientras toma el café, les muestra un invento que ha hecho en casa con una lata de Coca-Cola.
2. Ya de noche, Esteban sale de trabajar. Unos encapuchados bajan de una furgoneta y se abalanzan sobre él, pero resbalan en una mancha de grasa que hay en la acera y Esteban logra salir corriendo. Los encapuchados le persiguen, le alcanzan en un callejón, le dejan inconsciente y se lo llevan.
3. Esteban despierta en un zulo. Tres hombres le obligan a leer un mensaje en el que se exige a la Unión Europea que pague su rescate: diez millones de euros en metálico. Luego le pegan dos puñetazos en el estómago y lo dejan solo en la habitación.
Como ves, la escaleta, al igual que la sinopsis, se escribe de manera funcional: en tercera persona, con los verbos en presente, sin incluir descripciones ni diálogos y prescindiendo de cualquier tipo de adorno literario. Sigue siendo un resumen del argumento, pero detalla ya en cierta medida los escenarios, así como las acciones de los personajes. Una vez hemos trabajado la escaleta, convendrá hacer una puesta en escena de cada una de las escenas.
ACTIVIDADES
Teniendo en cuenta lo anterior realizar los siguientes puntos
1. Realizar una escaleta teniendo en cuenta el story line o sinopsis del proyecto audiovisual del año o si lo desea de un nuevo proyecto.
2. Realizar el Guion literario con los diálogos del libreto de las escenas y los personajes que participan en el, describiendo la acción dramática.
3. Realizar el guion literario técnico teniendo en cuenta el punto 2.
4. Realizar el guion técnico de las tomas de las escenas teniendo en cuenta los puntos 2 y 3.
5. Realizar los perfiles físicos y psicológicos del protagonista principal, el secundario si lo hay, el antagonista y los personajes secundarios. Realizar en hojas de plancha la ilustración de cada uno de ellos, teniendo en cuenta el vestuario que refleja su personalidad y su papel en la historia.
https://www.tallerdeescritores.com/la-escaleta
Basado en e tema de la pagina 23 del libro “Ética y valores humanos 11º”, Ed. Migema S.A. Bogotá, Colombia, 2006
GUÍA 4
Las expresiones faciales y sus variaciones.
Después de tener el modelo básico o de vista frontal, el próximo reto es dar énfasis a los sentimientos. Añadiremos varios ángulos y así, podemos crear efectos que nos ayudaran a reconocer en ¿qué tipo de escena y ambiente se mueve el personaje? Si crees que no acabas de dibujar bien tus personajes, toma como referencia los dibujos que están a continuación ye imagina que eres tú mismo, ¿qué sentimiento expresas? Piensa que ese es, en realidad, el secreto de los profesionales.
1. Risa: Sentimiento de máxima alegría, movimiento de la cabeza hacia atrás, la boca abierta al máximo en forma de triángulo invertido y la barbilla hacia arriba.
2. Enfado: La barbilla hacia adelante, es una expresión intimidatoria, expresión de rabia, comisura de los labios trazada con una línea curva hacia abajo.
3. Tristeza: Con una boca torcida expresaremos que el personaje aguanta las ganas de llorar, expresión de decaimiento mirando hacia abajo.
4. Miedo: Forma de la boca igual que cuando cogemos aire, arrugas que marcan el ceño relajado sin fruncir, cabeza hacia abajo con la barbilla hacia el pecho y la barbilla fuertemente apretada hacia abajo a causa del miedo.
5. Arrogancia: Cejas hacia arriba expresando confianza en uno mismo, cabeza inclinada con risa por debajo de la nariz y expresión de burla, boca cerrada con una de las comisuras hacia arriba y sonriendo.
6. Sorpresa: Con los ojos abiertos, las cejas un tanto arqueadas, la barbilla hacia adelante y la cabeza hacia atrás para expresar estupefacción, la boca inconscientemente abierta y como embobado.
Se maneja de la siguiente manera en chicos/chicas.
7. Estándar: Las cejas rectas y ensanchadas hacia el exterior expresan el lado masculino./ Cejas un poco gruesas y rectas, expresan un carácter firme, optimista, que no le gusta perder, iris negro como los japoneses sin pestañas cuando están abiertos Los ojos, el movimiento en las líneas del párpado sirve para expresar diferentes emociones, espacio entre las cejas y el ojo, comisura de los labios hacia abajo en una posición frontal se marca una manchita en las líneas de las aletas de la nariz y con la barbilla puntiaguda.
8. Alegría: Los ojos están cerrados expresan más que abiertos y están más arqueados que las cejas que no está tan arqueadas y altas, la boca se dibuja en forma de trapecio con la comisura de los labios hacia arriba y las mejillas sonrojadas proyectando un lado infantil. / La línea que marca la boca se alarga hasta los lados, la comisura de los labios se traza ligeramente hacia arriba, el final de las cejas y el rabillo del ojo son unas líneas curvas hacia abajo, las líneas de los párpados son finas y dan la impresión de que los ojos están cerrados, las pestañas se dibujan gruesas y se van afinando haca el rabillo del ojo.
10. Tristeza: Como los ojos de “alegría” pero menos curvados, se trazan unas arrugas para describir los ojos cerrados con fuerza, los dientes como las líneas de enfado, pero más cortas ya que está apretando los dientes.
12. Impertinencia: Una ceja más inclinada que la otra, con bastante espacio en el parpado, La boca arqueada con el labio inferior recto y un tercio de la pupila queda tapado por el parpado.
14. Insatisfacción: Cejas demasiado inclinadas hacia abajo dando la sensación de tristeza, dos arrugas en la parte inferior del entrecejo cerca de las cejas, la boca igual al “enfado” pero la mitad de larga y el labio inferior salido con un aire infantil.
15. Felicidad: Cejas arqueadas un poco cortas dan la sensación de agilidad e ingenio, boca abierta en forma de arco un tanto alargada, ojos más redondos que los de “standar” para dar la sensación de sorpresa.
Variaciones de las expresiones
Algunas variaciones de las expresiones se realizan pensando en el tipo personajes como... por ejemplo. Un chico luchador callejero que viaja por todo el mundo. Lleva practicando artes marciales como judo y karate desde que era pequeño. Aunque todo el mundo lo conoce por su fuerza y su habilidad, él no acaba de estar satisfecho con su vida y sigue buscando su lugar en el mundo. Tiene carácter sencillo y eso le hace mostrar sus sentimientos abiertamente y sin pensar. Es sincero y optimista, aunque a veces comete errores por ser aun joven. Suele ir a su aire paro es un buen chico. Es en plena lucha cuando podemos apreciar la esencia de este personaje. Hemos creado una chica ninja, pero como existe en la realidad, también es una estudiante que va al instituto, es decir, que aparte de set una ninja, es una chica de lo más normal. Es un tanto caprichosa, no le gusta que la traten como a a una niña, y si que la halaguen. Es un personaje que quiere justicia, pero que considera muy importante, por encima de todo, lo que es suyo. Se siente orgullosa de ser ninja y es realmente hábil en este arte. Aun así, los demás todavía la consideran una niña y eso no le gusta nada. Es un `personaje que evoluciona, consciente de lo grande que es el mundo. Para ese personaje es imprescindible dibujar el pelo liso y negro como un ninja, hacerle la raya en medio, con flequillo (dos mechas de flequillos asimétricas para darle movilidad), recogido atrás de forma clásico y el iris totalmente negro y redondo.
16. Sonrisa.
17. Buen Humor / Mal Humor.
18. Dolor Intenso.
Expresiones poco habituales o corrientes le dan otra cara a los personajes dándoles mayor profundidad e identidad, de manera caricaturesca, cómica para mostrar “la otra cara” de ellos, el lado inesperado y humano generando una mayor simpatía. Usando líneas rectas para destacar lo esencial del personaje, algo irónico y expresivo en los sentimientos.
18. Je je je.
19. Que corte.
ACTIVIDADES
Teniendo en cuenta el texto y las ilustraciones realizar los siguientes puntos cada uno en una hoja de plancha debidamente entintados, borrados y coloreados. tomarles fotos y organizarlos en un archivo word con curso apellidos, nombres y mes de la guía desarrollada.
1. Realizar el estudio de expresiones del personaje principal que hace parte de su trabajo del proyecto audiovisual.
2. Realizar el estudio de las expresiones del co protagonista o antagonista del guion literario de su trabajo de grado.
3. Realizar el estudio de expresiones de la cara de los personajes secundarios según su perfil psicológico y carácter desarrollados en el guion técnico.
4. Realizar un encuadre de detalle donde aparezcan los protagonistas del cortometraje y se evidencie la acción dramática de la escena que escogió del guion del cortometraje.
5. Escoger una escena donde la composición en el encuadre estén varios personajes con expresiones diferentes.
