8º 3er trimestre
Debido a que el desarrollo del arte requiere no solo de la adquisición de conocimientos teóricos sino también prácticos, esto solo se logra con la constancia y la disciplina como en cualquier otra áreas.
Realizar en la bitácora los ensayos, sketch, borradores y bocetos, de todos y cada uno de los trabajos realizados en el transcurso del trimestre, y luego traspasar a la plancha el dibujo final con las modificaciones o arreglos pertinentes que ve que debe hacer después de soltar la mano en la bitácora (hojas de presentación en papel Din A4, Bond 28 o Cartulina blanca-Bristol). Parte de la intención de tener y llevar una bitácora (registro de viaje o trayecto) aparte de ser mi cuaderno de la materia, también es la de apuntar mis metas, trabajos y actividades pendientes. Desarrollar la memoria visual inmediata, la concentración, la distribución y organización de conceptos e ideas vistas en clases y llevar una memoria de mi proceso, desarrollo y evolución.
Luz y sombras.
La luminosidad.
El tratamiento de la luz en el arte es uno de los temas más importantes de las técnicas artísticas de cada una de las artes (especialmente las denominadas artes visuales); así como de la teoría del arte y de la estética. Ha sido abundantemente tratado por la historiografía del arte. No solamente se limita a la representación de la luz y su opuesto (la sombra), sino que se extiende a la consideración de la iluminación adecuada que deben recibir las obras de arte en su exhibición (una función que cae dentro del ámbito de la museística y el comisariado artístico de las exposiciones de arte) e incluso al papel de la luz como parte esencial de determinadas obras de arte en sí mismas. Leonardo Da Vinci describe con un máximo de detalles la aplicación y el significado de luz y sombra. “La sombra es una carencia de luz y sólo la resistencia de los cuerpos opacos que impiden los rayos de luz. Por su naturaleza, la sombra pertenece a la oscuridad, mientras que la luz, por su naturaleza, pertenece a la luminosidad. La una esconde, la otra revela. Siempre están juntos sobre los cuerpos; y la sombra tiene más poder que la luz (…) La sombra es el medio por el cual los cuerpos revelan sus formas. (…) Así la oscuridad es el primer eslabón de la sombra y la luz el último. Por lo tanto, tú, pintor, has de hacer la sombra lo más oscuro posible cerca de su origen y deja que el final de la sombra se convierta en luz, de modo que parezca como si no tuviera fin.” A ello siguen estudios detallados de como la fuerza de la luz cambia de acuerdo con el ángulo en el cual incide sobre el objeto”. La luz es “en su efecto como una proyección ya que la que incide sobre el ángulo recto alcanza el máximo grado de fuerza.”
El contraste.
Es la diferencia entre el tono más negro y el tono más blanco en una imagen. Según esa diferencia hablamos de mayor o menor contraste, que se visibiliza en la cantidad de menor o mayor tonos medios entre ambos. Por ejemplo, las imágenes a contra luz, donde la sombra de un objeto se interpone entre la fuente de luz y el espectador. Solo se ve la silueta negra. También se habla en el color cuando se usan los opuestos cromáticos o colores complementarios de cada primario: amarillo y morado, rojo y verde o azul y naranja. Donde los opuestos radicales logran crear un panorama concreto de la realidad. En el caso de las bellas artes como tal se usa mucho el alto contraste en la fotografía, el cine y las artes gráficas ya que la gama de tonalidades es más limitada que la que percibe el ojo humano, también por su practicidad a la hora de reproducir imágenes en serie como camisetas, stikers, flyers, logotipos, revistas, historietas, publicaciones, stencils, graffitties, tatuajes, etc. Se basa básicamente en usar solo el blanco y el negro para dibujar los contornos de las sombras y crear los vacíos del blanco que representan los objetos por medio del golpe de la luz que cae sobre ellos desde una dirección dada y donde no se perciben los límites de los contornos del fondo. Por lo general se hacen plantillas que permiten el paso de un tono ya sea el blanco en fondo negro o el negro para el fondo blanco. No se permite el uso de grises, aunque este principio sirve para generar vacíos de otros tonos si se quiere colorear ciertas áreas locales de los objetos. El color en este sentido siempre será plano y no tiene degrades, esto no quiere decir que se pueda generar la impresión con la acumulación de tramas, texturas, líneas y puntos que se mezclan al percibirlos por medio del ojo y el cerebro las genere.
El Claroscuro.
Técnica usada frecuentemente en la época barroca donde las formas usualmente salían de las sombras bajo un fuente de luz muy teatral, básicamente es un ejercicio que combina el contraste con la luminosidad en los objetos iluminados pero dando color local a los objetos que entran en la escena dando las texturas particulares de cada uno de los objetos, por lo general no toda la forma de la figura era visible y se sugería por suposición el resto de las partes del objeto mas no se veía el contorno del mismo surgía por así decirlo de la nada las partes más iluminadas. Se realizaron ilustraciones que tuvieran estas características.
Teoría del color
Los colores primarios.
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Constituyen el fundamento fisiológico de la teoría del color, pues son los tres colores que percibimos cuando la luz impacta en los 6 millones de conos que alojan nuestros globos oculares. Esta capacidad humana, denominada “tricromía”, es considerada la norma para los humanos y permite percibir alrededor de un millón de colores. En los raros casos de cuatricromía, experimentada por menos del 2% de la población mundial, es posible llegar a percibir más de 100 millones de variantes cromáticas. Mezclando pigmentos de estos colores pueden obtenerse todos los demás colores.
Los colores secundarios.
Son los que se obtienen mezclando dos colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde, violeta y naranja o anaranjado.
Los colores terciarios (tierras o cafés).
Se consiguen al mezclar un primario y el complementario secundario (resultado de la mezcla de los otros dos primarios): Cafés pardos (amarillo y morado), cafés marrones (rojo y verde) y cafés ébanos (azul y naranja). Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media. En la pintura igual que en la música se combinan la destreza, las emociones y la técnica para improvisar sobre los acordes. Se hace uso de la intuición, la creatividad y los elementos técnicos.
El círculo cromático.
Herramienta especialmente útil para gestionar uno de los elementos con mayor impacto emocional y poder persuasivo: el color. Es un instrumento en el que los colores se organizan y segmentan circularmente, en base a su tono o matiz. Facilita la toma de decisiones para conformar paletas cromáticas armonizadas. Dicho en menos palabras, te ayuda a identificar combinaciones “correctas”, a partir de un modelo visual de fácil uso y comprensión. Aunque podemos encontrar variantes de rueda de colores con separaciones desde 3 (círculo cromático de colores primarios) 6 y 12 secciones o incluso un círculo cromático de 24 colores, el principio es básicamente el mismo y la secuencia siempre fluirá del verde hacia el amarillo, anaranjado, morado y azul. Fue el mismísimo Sir Isaac Newton quien estableció, a partir de sus experimentos con prismas, los primeros modelos de círculo cromático.
ACTIVIDADES
Los trabajos de los puntos 1, 2 y 3 deben realizarse en hojas de plancha Din A4 o Bond 28 (usar cartulina o hojas en blanco rotulado y marcado con el nombre del estudiante y el curso). Se puede partir de algo que se esté viendo o de una imagen buscada en la red por medio de la TIC. Para los puntos 4 y 5, sobre la teoría del color realizar los ejercicios prácticos con vinilos de los colores primarios: amarillo, azul y rojo (de la bandera de Colombia); y en el 6 además el blanco y negro para el circulo cromático. 3 pinceles (1 para cada escala y evitar que se contaminen los ejercicios recuerde lavarlos muy bien si va a comenzar una nueva escala cromática). Se deben tomar las fotos de los trabajos (debe verse en la foto el nombre y curso del estudiante, revisar que este bien definida) y enviarlos en un archivo con su nombre (si tiene las herramientas tecnológicas) y curso.
1. Realizar al costado izquierdo de la hoja una escala monocromática de grises que vallan del negro absoluto al blanco absoluto pasando gradualmente por varios tonos de grises, uno por cuadrado (de 3 cm por 3 cm) para tener como referencia las diferentes calidades de grises que se pueden obtener según la presión que se ejerza al lápiz o al carboncillo, también se pueden usar varios tipos de grafito para tener un mayor espectro de tonalidades, Posteriormente se dibujara en el resto de la hoja de la plancha una representación de una imagen naturalista que muestre como incide la luz y su refracción en los diferentes objetos generando distintas intensidades de sombras las cuales son recreadas con los tonos grises que se generaron en la escala monocromática, teniendo en cuenta la posición de la fuente de luz desde donde se origina para crear las sombras proyectadas al lado contrario de esta. Se desarrolla la motricidad fina y gruesa para lograr no solo intensidades sino también texturas, movimientos, direcciones y ritmos según las superficies y las formas de los contornos de los objetos representados.
2. Realizar una imagen en alto contraste donde las formas surjan del blanco absoluto de las formas iluminadas.
3. Buscar una imagen de la pintura barroca o tenebrista y realizarla aplicando los conceptos del claro oscuro.
4. Realizar en una hoja de acuarela de 1/8 escala cromática de los colores secundarios realizados a partir de los primarios. Tomarle foto y enviarla con la guía.
5. La escala cromática de los colores terciarios a partir de los primarios y sus complementarios. Tomarle foto y enviarla con la guía.
6. El círculo cromático a partir de primarios y secundarios quebrados hacia el blanco y el negro. Tomarle foto y enviarla con la guía.
Adapta la forma de las figuras según la categoría manga. La proporción del cuerpo-cabeza (es decir, el tamaño de la cabeza) cambia dependiendo de si el manga es humorístico o es normal. En la figura adulta es de 8 cabezas normalmente. La muñeca está alineada en el mismo nivel que el tobillo. Se debe tener en cuenta el sistema óseo del cuerpo humano (transversalidad con la asignatura de biología). Para dibujar el manga humorístico, más que marcar las proporciones debemos exagerar sus rasgos para indicar que edad tienen. Los personajes de manga Shonen y Shojo masculinos y femeninos suelen dibujarse más jóvenes en su edad que la que representan. Se suele vestir a los personajes adaptando el vestido o traje de acuerdo a las proporciones corporales que tienen en su edad. Los componentes del torso son la columna vertebral, el pecho, el abdomen y la pelvis. el torso se puede concebir o construir como si fuera la composición de dos tazas contrapuestas en su base, donde la forma de sus tapas es un cilindro elíptico. La proporción es de dos cabezas y ¾ hasta la base del cuello, de 2 cabezas y ½ hasta el eje de los hombros y de 4 cabezas hasta la base de la cabeza teniendo en cuenta la altura del cuello. El eje de los hombros en el hombre es de 3 veces el ancho de la cabeza en el hombre y en la mujer se puede reducir de 2 cabezas ¾ hasta 3 cabezas según la contextura del personaje para ambos sexos. Recordemos que en proporciones se maneja un estándar universal que no se aplica exactamente en todas las personas, sino que varían según su individualidad. Es necesario familiarizarse con los componentes del cuerpo humano hará mejorar las habilidades del dibujo, logrando mejores resultados en los detalles y en el realismo a través de la practica constante. ¿Cuántas partes tienen?, ¿qué forma tienen cada una?, ¿cómo la puedo construir con formas
geométricas para el encajonado?, ¿cuáles son sus articulaciones? y ¿qué
posiciones o figuras forman su contorno con el movimiento de las partes en relaciona a sus ejes de articulaciones? El torso está compuesto del área toraxica
el área abdominal y la pelvis. Por ejemplo, cuando el torso se levanta o se agacha usando las articulaciones de la espina dorsal. Cuando el torso gira horizontalmente sobre su cadera a los dos lados izquierda y derecha. Las partes de las piernas son el muslo, la rodilla, la pantorrilla, la espinilla, el empeine, el
tobillo, el talón, el tendón de Aquiles y los dedos de los pies. Se deben tener en cuenta el sistema óseo y el muscular al momento de dibujar los pantalones de las piernas. Debemos marcar las formas de las arrugas que se forman al plegarse la tela cuando se articulan las partes con el movimiento sobre sus ejes que son las
rodillas. Cuando las piernas se dibujan en escorzo hay que tener en cuenta las
leyes de la perspectiva, viéndose corta cuando una pierna esta estirada
proyectándose hacia delante parece más corta por que la distancia de altura se
acorta al irse ocultando hacia una vista inferior donde se vuelve un círculo en el corte de las tapas de su base ya que es como un cilindro. Las piernas no se forman con líneas paralelas rectas al momento de dibujar ya que tienen curvas, de pronto para plantear la construcción de la estructura con formas muy simples que después se tiene que detallar según sus formas como cuando el escultor parte de los bloques de piedra y saca lo que sobra para encontrar la forma deseada.
Se debe observar la forma en el tobillo, el arco del pie y los dedos de los pies que
tienen más detalle, y son los puntos más sobresalientes al momento de dibujar las piernas.
Características particulares de sexo o edad.
¿Cómo distinguir entre figuras masculinas y femeninas? Fijémonos en las diferencias que existen entre las figuras masculinas y las figuras femeninas para diferenciarlas al momento de dibujar. Los contornos del hombre y de la mujer se diferencian en el modo de dibujarlos, en los hombres son más fuertes, rectas y quebradas y en la mujer son más sueves, curvas y redondeadas, dándole al personaje el toque de su individualidad. La espina dorsal de la espalda en las mujeres forma un arco porque está más arqueada, que la del hombre que es recta. Los pechos y caderas son más atractivos al dibujarse de forma cónica, equidistantes entre los dos pezones y entre el eje de los los hombros y los pezones formando un cuadrado frontalmente y una escuadra de 60º de perfil generalmente dependiendo de su tamaño y contextura corporal. El hombre tiene el eje de los hombros más ancho uy rectos mientras que la mujer lo tiene más
estrecho y redondeado. El pecho del hombre es recto. La mujer tiene la cintura fina y más estrecha el hombre de perfil tiene pocas curvas mientras que l mujer tiene el pecho y las caderas redondeadas. El centro de gravedad donde hay mayor masa corporal en los hombres esta elevado en el pecho mientras que en la mujer se encuentra más bajo en las caderas. ¿Cómo diferenciar personajes de distintas edades? El cuerpo cambia con la edad. Las proporciones de la cara y el cuerpo también lo hacen conforme envejecen. Hay que fijarse en esos cambios y marcar claramente esas características en el dibujo cuando es un adulto mayor, un adulto, un adolescente un niño o un bebe. El eje vertical central o la mitad del tamaño del cuerpo es más bajo a medida que va avanzando la edad hasta llegar a la pelvis. La cabeza es la que menos cambios tiene. Lo mismo pasa con las
proporciones o medidas de la cara. La posición del eje de los ojos se eleva hasta llegar a la mitad de la cara al ser adulto. La barbilla se empieza a marcar, la nariz
se va volviendo más respingona cuando pasa de ser bebe a niño.
ACTIVIDADES
Realizar en una hoja de plancha cada uno de los siguientes puntos teniendo en cuenta los contenidos de la guía de aprendizaje.
1. Realizar la ilustración 1.
2. Realizar la ilustración 2.
3. Realizar la ilustración 3.
4. Realizar la ilustración 4.
5. Realizar la ilustración 5.
Dibujemos Manga, Editorial Norma.
