7º 1er trimestre
A continuación encontrará contenidos que se realizaron durante el 1er trimestre para complementar en el plan de mejoramiento. Recordemos que esta materia es teórica práctica donde se evalúan las destrezas adquiridas por el estudiante y su comprensión de la teoría por medio de la práctica.
Debido a que el desarrollo del arte requiere no solo de la adquisición de conocimientos teóricos sino también prácticos, esto solo se logra con la constancia y la disciplina como en cualquier otra áreas.
Realizar en la bitácora los ensayos, sketch, borradores y bocetos, de todos y cada uno de los trabajos realizados en el transcurso del trimestre, y luego traspasar a la plancha el dibujo final con las modificaciones o arreglos pertinentes que ve que debe hacer después de soltar la mano en la bitácora (hojas de presentación en papel Din A4, Bond 28 o Cartulina blanca-Bristol). Parte de la intención de tener y llevar una bitácora (registro de viaje o trayecto) aparte de ser mi cuaderno de la materia, también es la de apuntar mis metas, trabajos y actividades pendientes. Desarrollar la memoria visual inmediata, la concentración, la distribución y organización de conceptos e ideas vistas en clases y llevar una memoria de mi proceso, desarrollo y evolución.
Las planchas deberán estar debidamente marcadas y terminadas (dibujo o planteamiento en lápiz, entintado con micropunta o esfero negro, borrado del trazo a lápiz y coloreado) teniendo en cuenta las indicaciones y temáticas que se desarrollaron durante la clase.
En presencialidad se exige que deben los materiales y herramientas para cada clase. De lo contrario no se dará ingreso en el tiempo de la emergencia sanitaria.
CONTENIDOS
Actividad diagnóstica.
El cómic.
Una historieta o cómic es una sucesión de dibujos que constituye un relato, con texto o sin texto, así como la serie de ellas que trate de la misma historia o del mismo concepto, y también el correspondiente medio de comunicación en su conjunto. Partiendo de la concepción de Will Eisner de esta narrativa gráfica como un arte secuencial, Scott McCloud llega a la siguiente definición:
«Ilustraciones yuxtapuestas y otras imágenes en secuencia deliberada con el propósito de transmitir información u obtener una respuesta estética del lector». Sin embargo, no todos los teóricos están de acuerdo con esta definición, la más popular en la actualidad, dado que permite la inclusión de la fotonovela y, en cambio, ignora el denominado humor gráfico. El interés por la historieta «puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al sociológico, de la nostalgia al oportunismo».
Durante buena parte de su historia fue considerado incluso un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en la década de 1960 se asiste a su reivindicación artística, de tal forma que Morris y luego Francis Lacassin han propuesto considerarlo como el noveno arte, aunque en realidad sea anterior a aquellas disciplinas a las que habitualmente se les atribuyen las condiciones de octavo (fotografía, de 1825) y séptimo (cine, de 1886). Seguramente, sean este último medio y la literatura los que más la hayan influido, pero no hay que olvidar tampoco que «su particular estética ha salido de las viñetas para alcanzar a la publicidad, el diseño, la moda y, no digamos, el cine»
El Capitán América (Captain America en inglés) es un personaje ficticio propiedad de Marvel Comics. La serie fue creada en 1941 por los historietistas Joe Simon y Jack Kirby, meses antes de que Estados Unidos entrase en la Segunda Guerra Mundial. Desde su concepción, con una fuerte carga patriótica antinazi, el personaje se ha convertido en uno de los superhéroes más antiguos publicado por dicha editorial.
El héroe abanderado ha aparecido además en cine, televisión y videojuegos, generalmente con Steve Rogers como su alter ego. Al pasar a otros medios, la historia del personaje ha sido retocada en mayor o menos medida, pero siempre ha sido, según los estudiosos de la historieta Lorenzo Díaz y Ricardo Aguilera «un fiable termómetro de la temperatura social de su país».
A comienzos de los 40, antes de que Estados Unidos se implicase en la Segunda Guerra Mundial, comenzaron a aparecer superhéroes patrióticos vestidos con uniformes simbólicos, Joe Simon y Jack Kirby crearon para Timely Comics (la actual Marvel Comics) uno de esos personajes, el Capitán América, cuyo primer número apareció con fecha de portada de marzo de 1941.
Kirby diría al respecto: "El Capitán América fue creado en un tiempo que necesitaba de figuras nobles. Todavía no estábamos en guerra, pero todo el mundo sabía que íbamos a estarlo. Esta es la razón por la que nació el Capitán América; América necesitaba un superpatriota"
Las intenciones del personaje se hicieron evidentes desde el primer número, en el que el héroe propinaba un puñetazo al mismísimo Adolf Hitler, cuando los Estados Unidos aún no habían entrado en guerra con la Alemania nazi. Rápidamente se convirtió en una de las series más populares de la editorial durante toda la guerra.
ACTIVIDADES
Para los puntos 2 y 3 usar una hoja(1) en blanco tamaño carta.
1. Teniendo en cuenta el texto anterior si hicieras un cómic ¿sobre qué problemática lo podrías hacer y por qué?
2. A partir de la problemática que escogiste inventa un personaje(protagonista) que logre dar solución a dicho problema. Describe ¿cuáles son sus características físicas y psicológicas?.
3. Crea un villano(antagonista) que represente todo lo contrario del protagonista. Describe las características físicas y psicológicas del antagonista.
4 Realiza una narración imaginaria de ¿cómo el protagonista podría resolver esa problemática? y ¿cómo el villano podría estar involucrado en el origen del problema?.
5. En una hoja(2) en blanco realiza una historieta que ilustre la narración que hiciste en el punto 4 con los elementos que tienen los cómics(viñetas, globos o bocadillos según sea el caso, líneas dinámicas, onomatopeyas). Teniendo en cuenta los elementos básicos del comic como lo son el diseño y caracterización delos personajes, las viñetas donde es la recreación de la acción con fondos y escenarios, donde se desarrollan las escenas, la utilización de recursos gráficos como los globos o bocadillos, donde están los diálogos de los personajes, las líneas dinámicas que dan movimiento a los objetos, las onomatopeyas que dan sonido y ambientación, el ritmo en la diagramación narrativa de la historia y el color. Representar por medio de imágenes la historia del guion realizado en grupo para la obra de teatro. Se busca concientizar en los alumnos las diferentes etapas que se deben realizar para la creación de una obra de arte en general. Partiendo de una idea que primero se aterriza por medio de sketch, bocetos y dibujos preparatorios, enmarcados en ideas principales o conceptos que buscan amarrar el tema o idea principal de la historia en general que por lo general titula el episodio o capitulo, para luego pasar a desarrollar la descriptiva particular de los detalles de cada parte de la misma en todo su desarrollo, teniendo que proyectar tiempos, presupuesto, materiales, distribución del trabajo según las habilidades de los integrantes y finalmente la puesta en escena.
6. En una hoja(3) en blanco elabora una composición para la portada de la historieta que realizaste, ten en cuenta el título del personaje y el subtítulo de cómo se llamaría el episodio o fascículo.
Nivelación.
Teoría y psicología del color
El color tiene la capacidad de estimular o deprimir, de crear alegría o tristeza, y de despertar actitudes pasivas o activas. Algunos colores nos producen una sensación de serenidad y calma (que generalmente se encuentran del lado azul del espectro, conocido como el lado frío), mientras que otros nos inducen ira y nos hacen sentir incómodos (estos se encuentran del lado rojo del espectro, conocido como el lado cálido).
Blanco en las culturas occidentales (y también en algunas orientales, como la hindú), el color blanco representa lo puro e inocente, así como la limpieza, la paz y la virtud. En culturas orientales y africanas es el color de la muerte: el alma pura que se va.
Amarillo representa la luz y el oro. Suele relacionarse con la felicidad, la riqueza, el poder, la abundancia, la fuerza y la acción. No obstante, los investigadores lo consideran uno de los colores más ambiguos, pues también representa la envidia, la ira y la traición. La excesiva presencia de amarillo puede llegar a irritar a una persona.
Rojo se asocia a la estimulación, la pasión, la fuerza, la revolución, la virilidad y el peligro. Probablemente, esto tenga mucho que ver con que el rojo es el color de la sangre, que también asociamos a cierta noción de vitalidad, agresividad y sensaciones extremas. Es uno de los colores con mayor consenso entre los expertos.
Naranja Se asocia al entusiasmo y la acción. También puede relacionarse con la lujuria y la sensualidad, con lo divino y la exaltación. En el mundo del marketing político, se suele decir que el naranja es el color más optimista de todos.
Azul es el color del cielo y del agua, y representa la tranquilidad, la frescura y la inteligencia. En el mundo del marketing se emplea en muchos logotipos como Facebook o Twitter. Es un color elegante y corporativo, uno de los más usados por las empresas. Transmite confianza y pureza.
Verde representa la juventud, la esperanza y la nueva vida, pero también representa la acción y lo ecológico. Los decoradores de interiores coinciden en señalar que una habitación pintada con un color verde suave incita a la relajación y al bienestar.
Morado es muy valorado en el mundo del marketing, puesto que representa la sofisticación y la elegancia. Además, se suele asociar este color al misterio, la nostalgia y la espiritualidad. Es un color ampliamente usado en los productos anti-edad, precisamente por ese toque de glamour que desprende.
Rosa es un color con unos atributos bien acotados: es el color de la dulzura, de la delicadeza, de la amistad y del amor puro. Nuestro acervo cultural lo asocia también a lo femenino.
Gris tiene connotaciones un tanto distintas según la cultura. Mientras alguna gente percibe este color como la indeterminación o la mediocridad, los expertos en psicología del color le dan un significado distinto: la paz, la tenacidad y la tranquilidad.
Negro tiene connotaciones negativas pues se asocia a la muerte, a lo malvado o a la destrucción. En cambio, en el antiguo Egipto representaba la fertilidad y el crecimiento. Debido a su relación con la oscuridad, el negro simboliza el misterio y lo desconocido. En el mundo de la moda, el negro es el color de la elegancia, la formalidad y la sobriedad.
ACTIVIDADES
1 . ¿Qué color caracteriza a la Coca Cola (marque con una X).
a) Blanco b) Amarillo. c) Negro d) Rojo
2. ¿Cuál producto comercial le recuerda el color verde y explique las cualidades del mismo? ¿Creé que el color sí logra representar bien las características del producto?
3. Una parte importante es la caracterización de los personajes lograr entender que no solo se trata de hacer los títeres sino que también se busca lograr comprender la naturaleza de cada uno ellos en la historia que se realizó, buscar entender y meterse en los zapatos de cada uno de ellos para así lograr que la interpretación logre tener una mejor credibilidad. Se dibuja cada uno de los personajes describiendo ¿Quién lo va interpretar? Cual personaje es? sus características y comentarios.
4. Realizar una historieta donde aparezcan los personajes del punto 3 interactuando (Cadáver exquisito=absurdo ) con inicio(presentación de un problema o situación), nudo (búsquedas posibles de soluciones a la situación) y desenlace(solución de la situación). recuerde que debe tener por lo general un final con moraleja o enseñanza. Los elementos básicos del cómic: viñeta, título, bocadillo o globo, diálogos, onomatopeyas, líneas dinámicas, planos de profundidad, encuadre y perspectivas.
5. Realice 1 de los fondos de los escenarios (lugares) en los que se desarrolla la acción de la historieta en una hoja de 1/8. Usar planos de profundidad para sugerir la perspectiva.
Recuerden que para el proceso de creación de los puntos 3, 4 y 5 usamos primero la bitácora (block jean book de hojas blancas tamaño carta, papel de resma para impresión o papel de impresión reciclado) para soltar la mano, realizar bocetos y borradores de lo que queremos hacer o expresar, varias veces hasta que logremos concretar la imagen, los fondos y las formas que la van a componer ya sea para el diseño de los personajes o para las escenas de cada viñeta.
Cuando ya tengamos definidas la imágenes las pasamos a las hojas en blanco; entintamos letras, contornos y detalles, luego borramos las líneas guías de las viñetas, globos y estructuras de los personajes; y terminamos coloreando lo tonos o colores locales de los objetos y elementos de las formas(cabello, piel, mesa, cielo, calles, edificios, etc).
NO olvide consultar la pagina de la asignatura para refrescar conceptos. https://expresionartistica4.wixsite.com/exp-art-corporal-cve
Marzo
Fondo vs Forma
La forma. (personajes) Es lo que determina la particularidad de un objeto individual representado por ejemplo si es un hombre o una mujer, si es una mesa o una silla, etc.
El fondo. (escenografía) Es el encuadre que nos enmarca las características del entorno en donde se encuentran los objetos por ejemplo si está en un sitio abierto o cerrado, si es de día o de noche, etc.
El contexto. (historia) Es la interpretación que se realiza teniendo en cuenta la relación que existe entre los objetos con el fondo, en la composición de un encuadre por ejemplo una pareja de enamorados contemplando un atardecer en la playa.
El guion literario.
Un cuento (estructura básica) es un relato o narración breve de carácter ficticio o real, con un argumento fácil de entender y cuyo objetivo es formativo o lúdico (con una enseñanza o moraleja). De un modo más coloquial, también se habla de 'cuento' para referirse a una mentira, excusa o historia inventada (mito). Del mismo modo, un 'cuento' es un enredo o chisme (engaño). El término cuento procede del latín compŭtus ('cuenta'- ordenador de partes o escenas).
Aunque las historias de cuentos son muy variadas y tocan múltiples temas (géneros, clases o tipos), comparten ciertas características comunes: El cuento tiene una estructura central vinculada a un protagonista (héroe): en los cuentos se evitan las tramas múltiples, que sí existen en las novelas (giros). Las acciones suelen ser ubicadas en tiempo y espacio desde el inicio (escenas lugares donde ocurren los hechos): "había una vez un rey que vivía en un castillo encantado..." Es ficticio (absurdo): si bien un cuento puede estar basado en hechos reales, su narrativa apunta a lo fantástico.
Cada acción desencadena una consecuencia (giros). Los personajes principales deben resolver problemas (inicio) o superar pruebas difíciles (nudo) para poder lograr su objetivo (desenlace). Existe uno o varios personajes (reparto actoral o personajes secundarios) clave que son esenciales para que el protagonista pueda superar sus pruebas (enseñanza positiva): el hada que ayuda (valores éticos) a la princesa, el animal que indica el camino a seguir, etc.
Deben ser breves. Deberían ser leídos de principio a fin como una estructura única: al ser narraciones breves y con una estructura básica, si se leen por fragmentos se pierde el efecto (clímax) que la historia debería generar. El cuento, como historia o narración comprende una serie de acciones (libreto con diálogos e indicaciones) con uno o varios personajes dentro de un contexto histórico (vestuario y mobiliario) y físico (escenografía y utilería), en ocasiones sin especificar.
De una forma genérica, se ha establecido una estructura común de tres partes: comienzo (1ra escena), nudo (2da escena) y desenlace (3ra escena).
El comienzo es el inicio de la historia, donde se presentan los personajes y la situación en la que habitualmente se produce un desequilibrio(problema) o elemento de ruptura que desencadena la trama.
El nudo es la parte central del relato, donde se plantea el conflicto (búsqueda de soluciones, obstáculos y giros) en la trama y los personajes llevan a cabo acciones inesperadas.
El desenlace (solución y clímax) supone el cierre del relato, en ocasiones restableciendo el equilibrio inicial y concluyendo con una nueva situación. En las fábulas, la historia termina con una moraleja (enseñanza mensaje del tema).
"Cadáver Exquisito"
El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico creado con el fin de contrariar las artes, que surgió en 1916 en Zúrich. El dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas, para burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura, pasando por la pintura o la música.
La poesía era ilógica y de difícil comprensión, dado que se basaba en una sucesión de palabras o sonidos muchas veces sin sentido. Y en la pintura seguía el mismo camino, eran collages hechos con objetos de desecho y de la basura; el artista buscaba una reacción. Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través de los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta.
Al cuestionar y retar el canon (norma , ley) literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de anti arte moderno, por lo que se trata de una provocación abierta al orden establecido. En la pintura y el arte quería promover todo lo irracional, absurdo, falto de sentido en actitud de burla, con humor y sin reglas. El dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.
Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles y desafiantes, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que este reconsiderara los valores estéticos establecidos.
Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades.
Sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad. El cadáver exquisito es el nombre de una técnica creativa usada por los surrealistas inspirada en el dadaísmo y se deriva de una frase que surgió la siguiente oración compuesta: Le cadave - exquis - boirá le vin - nouveau (el cadáver exquisito beberá el vino nuevo) cuando fue jugado por primera vez en francés en 1925, en el cual los jugadores escribían una composición en secuencia por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración donde cada uno aportaba su texto siguiendo la regla sustantivo - adjetivo - verbo.
Cada persona solo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior, así es como surgió el nombre que conocemos con este juego o por lo menos así lo cuenta el surrealista por excelencia André Breton, jugador. En resumidas cuentas se combinan cosas de una idea agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad.
Los teóricos y asiduos al juego (en un principio, Robert Desnos, Paul Éluard, André Bretón y Tristan Tzara) sostenían que la creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática. Aunque con la nueva tecnología se ha podido cambiar dicha regla y se puede observar para poder seguir con el escrito y quede de una manera más fluyente y lógica, todos los jugadores tienen que intervenir. Este juego surrealista se inventó para crear juntos arte y poesía desde el inconsciente y de forma espontánea y espiritual.
André Bretón decía "Lo emocionante para nosotros en ese tipo de producciones era la certeza de que, para bien o para mal, representaban algo que no era posible por el trabajo de una sola mente". Él se reunía con Yves Tanguy, Marcel Duchamp, Jaques Prévert, Benjamin Péret y Pierre Reverdy, para crear a través de Cadáver Exquisito, una manera colectiva, espontánea e intuitiva de poesías, dibujos y collages cuyos resultados distaban de la realidad y pisaban lo ficticio, y que por supuesto usaban como inspiración para generar sus propios trabajos artísticos.
ACTIVIDADES
Los trabajos de los puntos 1 y 3 donde se desarrollan los puntos 2 y 4 deben realizarse en hojas de plancha Din A4 o Bond 28(usar cartulina o hojas en blanco rotulado y marcado con el nombre del estudiante y el curso) deben estar entintados los contornos de las formas con micropunta negro, borradas las líneas guías del boceto hechas en lápiz y coloreados. Se deben tomar las fotos de los trabajos (debe verse en la foto el nombre y curso del estudiante, revisar que esté bien definida) y enviarlos en un archivo con su nombre y curso.
1. Teatro de títeres de sombra Teniendo en cuenta los conceptos del guion literario y el cadáver exquisito realice una historia con los personajes favoritos de cómics o programas de televisión del grupo familiar. Recreando los orígenes de la creación colectiva en el teatro del absurdo, teatro de la crueldad y el surrealismo que hicieron exponentes como Samuel Becked, Antonin Artaud.
2. Realizar el diseño y creación de un personaje de la historia en el cuaderno de trabajo o bitácora, donde por medio de sketch y bocetos ira dando forma y caracterizando (estatura si es alto o bajo, contextura si es gordo o flaco). las características técnicas que debe tener el títere de sombra: Solo se verá el contorno de la silueta del personaje, para ojos y boca debe recortas para que pase la luz. Hombros salidos del cuerpo igual que la parte inferior del cuerpo en dos muñones para que al unir las diferentes extremidades como brazo antebrazo estos no queden ocultos detrás del tronco ya que la luz es la que mostrará la silueta del títere de sombra. Lo mismo para las extremidades inferiores piernas y pantorrillas queden libres y se puedan articular. Para los dibujos preparatorios hará uso de la bitácora. Diseño de perfiles y escenografías. Representar y proyectar los perfiles de los objetos que se deben realizar para la obra de títeres de sombra. Al hablar de una historia no solo hablamos de los personajes sino que también hablamos del ¿Cómo? ¿Cuándo? y ¿Dónde? Se realiza la acción de los tres ejes fundamentales de la historia la cual debe estar dividida por escenas. Las escenografías van desde el diseño del teatrino ó teatrillo, hasta los perfiles que generaran las sombras del lugar donde se desarrolla la escena; y los dummies u objetos para recrear cada escena y darle más realismo; también se puede hablar de la iluminación y de la ambientación por medio de ruidos y sonidos ya sean en tiempo real o pregrabado. Se deben realizar los dibujos preparatorios a escala para proyectar cantidades, tamaños, costos, materiales, herramientas, tiempos de producción y de creación, a la vez que la distribución del trabajo para que se logre una sincronización optima con los tiempos para la presentación final.
Se puede usar elemento que estén al alcance de su bolsillo o reutilizar elementos que ya no se usan, cartón (cajas de empaques), temperas o vinilos, pínceles, colores, papeles de color (pedazos o secciones de revistas o periódicos con publicidad con colores, papeles de regalo, telas, etc.) tijeras y colbón. Este punto debe ser apoyado por los adultos para usar elementos corto-pulsantes como tijeras o bisturís. No usar pegamentos, elementos o materiales tóxicos.
Recuerde ver los video tutoriales de lo aprendido en clase en la página de la asignatura.
https://expresionartisticacve.blogspot.com/2021/02/grado-6.html
